• Jakie jest pochodzenie i historia teatru?
• Greckie pochodzenie teatru
• Geneza teatru niezachodniego
• Dramat liturgiczny i teatr średniowieczny
• Rozkwit japońskiego teatru
• Teatr renesansowy i commedia dell'arte
• Wejście do nowoczesności
• XX wiek i współczesność

Wyjaśniamy pochodzenie i historię teatru w różnych częściach świata, od czasów starożytnych po współczesność.

Starożytni Grecy jako pierwsi pomyśleli o teatrze jako o sztuce.

Jakie jest pochodzenie i historia teatru?

The teatr, gatunek artystyczny, w którym literatura (dramaturgia) i sztuki sceniczne (przedstawienie teatralne), jest jedną z najstarszych form wypowiedzi artystycznej w historii. ludzkość.

Chociaż jego pochodzenie często sięga Antyk klasycznego Zachodu, prawda jest taka, że ​​prawie wszystkie Starożytne kultury mieli jakąś formę teatru lub bardzo podobnego spektaklu, przy pomocy którego edukowali swoją młodzież, modlili się do nich bogowie lub pamiętał ich mity podstawowy.

Jednak pierwszymi, którzy pojmowali teatr jako formę sztuki samą w sobie, czyli jako „sztukę dramatyczną”, byli starożytni Grecy z VI-IV wieku p.n.e. c.

Starożytni Grecy świętowali pewne rytuały zakonnicy ku czci Dionizosa, boga wina i płodności, zwanego bachanaliami. W tych obrzędy ten taniec stany transowe i transowe były normalne, ale też pewna narracja i inscenizacja mitów założycielskich, a te ostatnie dały początek teatrowi.

Greckie pochodzenie teatru

Powstał w VI wieku p.n.e. C. dzięki kapłanowi Dionizosa zwanego Tespisem, który wprowadził do obrzędów ważną modyfikację: a dialog którą prowadził z chórem podczas każdego festiwalu.

W ten sposób Thespis stał się pierwszym aktorem scenicznym. W rzeczywistości, według kronik z III wieku. C. To sam Thespis wygrał pierwszy konkurs teatralny w Grecji, który odbył się w Atenach w 534 rpne. c.

Od tego czasu konkursy teatralne stały się bardzo popularne na festiwalach ku czci Dionizosa, które trwały całe cztery dni i wykorzystywały dzielone drewniane konstrukcje dla orkiestry, publiczności i sceny wokół posągu Dionizosa.

Przez cały V i IV wiek p.n.e. C. teatr grecki rozkwitł i uniezależnił się od cześć religijny. Jednak nadal był mechanizmem greckiego społeczeństwa, który kształcił młodych ludzi w religia, mitologia i klasyczne wartości obywatelskie.

W tym czasie wyłonili się trzej wielcy dramaturdzy greccy: Ajschylos (525-456 pne), Sofokles (496-406 pne) i Eurypides (484-406 pne), autorzy obszernego zestawu dramatów tragicznych, poruszających wielkie greckie mity. Wraz z nimi rozmnażali się wielcy greccy komicy, tacy jak Arystofanes (444-385 pne).

Teatr był tak ważny w kulturze greckiej, że filozof Arystoteles (384-322 pne) zainspirował się nimi do napisania pierwszego w dziejach ludzkości traktatu o sztuce dramatycznej: Poetyka od 335 pne c.

W ten sam sposób był tak ważny dla regionu śródziemnomorskiego w tamtym czasie, że kultura rzymska przyjęła go jako wzór i inspirację do rozwoju własnego teatru między II a III wiekiem p.n.e. C. Tak wyłonili się autorzy takich sław jak Plautus (254-184 p.n.e.) i Terence (185-159 p.n.e.), których gra były częścią znacznie większego wydarzenia w kulturze rzymskiej: rzymskich igrzysk ku czci bogów.

Rzymianie włączyli również do swojej kultury greckie dziedzictwo dramaturgiczne, zachowując je po łacinie dla znacznie późniejszych czytelników.

Geneza teatru niezachodniego

W starożytności istniały też bogate tradycje teatralne na wschodzie świata, zwłaszcza w antycznej kulturze Indii. Teatr Indii wyrósł z tańców religijnych i obrzędowych.

Ten teatr uzyskał formalne studium około IV i II wieku p.n.e.C., sądząc po czym Natia-shastra, starożytny traktat hinduski o tańcu, pieśni i dramacie, przypisywany muzykologowi Bharacie Muniemu (daty niepewne). Ta praca dotyczy zwłaszcza indyjskiego teatru klasycznego, szczytu literatury sanskryckiej.

W tego rodzaju dramat w roli bohatera pojawiły się bardzo stereotypowe postacie (nayaka), Bohaterka (nayika) lub klaun (vidusaka), pośród mitologicznych i religijnych opowieści o pochodzeniu bogów. Przedstawienie składało się przede wszystkim z tańca i dialogu aktorów, przebranych i wymalowanych, ale bez sceny i dekoracji.

Teatr indyjski był praktykowany przez długi czas niemal bez przerwy i zmian, osiągając apogeum między III a V wiekiem naszej ery. Dwoma wielkimi dramaturgami tej tradycji byli Sudraka (III wne) i Kalidasa (IV-V wne), ten ostatni autor wielkich dramatów miłosnych.

Inna ważna tradycja niezachodnia, teatr chiński, powstała około VI wieku p.n.e. C. Składał się głównie z tańców, akrobatyki, mimów i aktów obrzędowych bez określonego gatunku.

Aktorzy, sami mężczyźni, mogli odgrywać różnego rodzaju stereotypowe role, czy to męskie (sheng), kobiecy (więc), komiksy (rozetka) lub wojownicy (ching). W wielu przypadkach używano masek i makijażu.

Chińska tradycja zainspirowała podobne wersje w Japonii i innych krajach Azji Południowo-Wschodniej, które rozkwitły w późniejszych wiekach i nie były znane na Zachodzie aż do prawie XIX wieku.

Dramat liturgiczny i teatr średniowieczny

Pod koniec średniowiecza pojawili się autorzy barokowi, tacy jak Calderón de la Barca.

Po upadku Imperium Rzymskieteatr na Zachodzie stracił swoje dawne znaczenie popularne i religijne: to dlatego, że chrześcijaństwo odrzucił dziedzictwo pogański z Europa i zrobił wszystko, co możliwe, aby się wyróżnić i zdystansować od tej tradycji. Jednak w X wieku chrześcijańska liturgia i obchody Wielkanocy były centralnymi wydarzeniami w kulturze chrześcijańskiej i były wykonywane z wielką pompą i scenografią.

Tak więc w Średniowiecze powstał teatr liturgiczny, który odtwarzał najważniejsze sceny z mitologii chrześcijańskiej, takie jak wizyta Marii Magdaleny przy grobie Jezusa Chrystusa. Z tego narodziła się bogata tradycja późniejszej dramaturgii chrześcijańskiej.

Około XI i XII wieku wiele francuskich klasztorów zaczęło wystawiać historie biblijne na podwyższeniu przed świątynią, porzucając także kult łaciński na rzecz używania języków narodowych, bliższych ludziom. Inscenizacje Księgi Rodzaju czy Apokalipsy, albo udręczone życie świętych, takich jak św. Apollonia czy św. Dorota, były powszechne.

W miarę jak te akty teatralne nabierały złożoności, zaczęto je wystawiać na platformach lub ruchomych scenach, by przenosić liturgię i historię kościelną w różne zakątki kraju. Było to szczególnie popularne w Hiszpanii i stało się znane pod nazwą Samochody sakramentalneczyli dramaty Eucharystii.

Podobne wydarzenia miały miejsce w Anglii w tym czasie, zwłaszcza w okresie Święto Bożego Ciałai stały się popularnymi formami teatru, powszechnymi w całej Europie aż do XVI wieku.

Odtąd pojawili się jego główni krytycy: protestanccy purytanie, którzy potępili dominujący humor i śmiałość w jego przedstawieniach, oraz humaniści Renesans, który złymi oczami widział ich frywolność i jego związek z pewną średniowieczną tradycją, od której starali się zerwać.

W konsekwencji wiele z tych dzieł zostało zakazanych w Paryżu i krajach protestanckiej Europy, podczas gdy rozkwitły one w kontrreformacyjnej Europie, głównie w Hiszpanii. wielcy autorzy barokowy Hiszpanie tacy jak Lope de Vega (1562-1635), Tirso de Molina (1583-1648) i Calderón de la Barca (1600-1681) są uważani za najwybitniejszych twórców aktu sakramentalnego.

Rozkwit japońskiego teatru

W japońskim teatrze występowali aktorzy płci męskiej, którzy mogli nosić maski.

Tymczasem w XIV-wiecznej Japonii krystalizowała się kultura sceniczna. Spadkobierca tańców Shinto i rytuałów buddyjskich, zarówno własnych, jak i skopiowanych z Chin i innych azjatyckich narodów, dokonał najważniejszych kroków w japońskim teatrze.

Odtąd pierwsze kroki stawiały trzy wielkie tendencje:

• Wyrafinowany liryczny dramat teatru noh i kyogen.
• Literacki Teatr Lalek Bunraku.
• Później teatr kabuki, dramatyczny spektakl burżuazji.

Teatr Noh powstał w Kioto około 1374 roku pod okiem szoguna Yoshimitsu, rozpoczynając ważną tradycję mecenatu teatralnego przez japońskich panów feudalnych.

Większość utworów w tym stylu, wykonywanych z nieskończoną gracją i wytwornością przez aktorów męskich przy akompaniamencie niewielkiego chóru, została napisana w następnych dziesięcioleciach przez Kanami Motokiyo, jego syna Zeami Motokiyo, a później zięć tego ostatniego, Zenchiku. Od XV wieku dla teatru Noh napisano niewiele nowych sztuk.

Być może z tego powodu pod koniec XVI wieku japońska panorama teatralna przedstawiała pewien upadek. Do tego należy dodać zakaz w 1629 roku wszelkich przedstawień teatralnych z udziałem kobiet, po tym, jak prezentacje kapłanki Shinto O-Kuni wywołały poruszenie wśród publiczności w Kioto.

Dlatego na początku XVII wieku powstał nowy teatr japoński, który miał wypełnić pustkę, odzwierciedlając nową mieszczańską wrażliwość tamtych czasów: Kabuki, odnoszący sukcesy teatr kawiarniany, wykorzystujący bogatą oprawę i wyszukane kostiumy, którego dzieła wywodził się z tradycji literackiej i teatru lalek.

Teatr renesansowy i commedia dell'arte

Opera pojawiła się we Włoszech w XVII wieku i rozprzestrzeniła się w całej Europie.

Jak w wielu innych sztuka i wiedzy, renesans Europejczycy zaznaczyli przed i po teatrze i dramaturgii. Dzieła stały się bardziej naturalne, odarte z religijnego obowiązku i ocalały teoretyczną spuściznę Arystotelesa, a także antyczne mity i klasyczne symbole.

Triumf burżuazja gdy nowa dominująca klasa społeczna zadecydowała o zmianie wrażliwości teatralnej i wkrótce nastąpiły narodziny nowych gatunków i nowych stylów, takich jak hiszpański teatr barokowy i angielski teatr elżbietański, w którego tradycji pojawiły się wielkie nazwiska, takie jak Miguel de Cervantes i William Szekspir.

Najważniejszą jednak z nowych form teatralnych była włoska Commedia dell'Arte, która powstała około 1545 roku jako forma teatru ulicznego i popularnego, ale w wykonaniu profesjonalnych aktorów. Wiele grup teatralnych wędrowało z miasta do miasta i ustawiało prowizoryczne sceny.

Tam reprezentowali kawałki komedia improwizacje fizyczne, teatralne i własne utwory, których: postacie były łatwo i szybko rozpoznawalne, ponieważ zawsze nosiły te same maski. Na przykład, Spodnie był pompatycznym i złym usposobieniem starcem, któremu robiono żarty i figle, podczas gdy Harlecchino był żartobliwym i odważnym sługą, i Pulcinelli był pulchnym, garbatym specjalistą od bicia.

Od tego czasu w Europie, która coraz bardziej ceni dramaturgię, zaczęły się upowszechniać nowe formy spektaklu teatralnego. The tragikomedia stał się popularnym gatunkiem, rodzajem pośredniego łącznika między komedią a tragedia. Opera pojawiła się również w XVII wieku, a tak zwany „włoski styl” teatru rozprzestrzenił się w całej Europie.

W tym samym kontekście wielki rozkwit przeżywał teatr francuski, za sprawą uznanych dramaturgów, takich jak Pierre Corneille (1606-1684) i Jean Racine (1639-1699), wielkich autorów tragedii, a zwłaszcza Jean-Baptiste Poquelin, lepszy znany jako Molier (1622-1673), aktor i autor komedii, fars, tragikomedii i niektórych z najbardziej znanych dzieł w języku francuskim.

Wejście do nowoczesności

Kolejna wielka zmiana w zachodniej tradycji teatralnej nastąpiła wraz z Romantyzm Zwłaszcza niemiecki Sturm i Drang w drugiej połowie XVIII wieku.

Podobnie jak w innych sztukach, teatralny romantyzm kładł nacisk na sentymentalizm i dramat wbrew racjonalizmowi, który pojawił się wraz z Ilustracja Francuski. Preferował mroczne, tajemnicze tematy, zwłaszcza te z kultury popularnej i folkloru.

Spuścizna pozostawiona przez takich autorów jak Wolfgang von Goethe (1749-1832) i Friedrich Schiller (1759-1805), z wielkimi dziełami dramatycznymi, takimi jak Faust czy Wilhelm Tell na początku XIX wieku, była inspiracją do narodzin nowy gatunek: melodramat, w którym muzyka podkreślała emocje bohaterów.

Z ręki nacjonalizm Europejski, ten nowy styl przyjął się niemal we wszystkich krajach i wyprodukował tak renomowane dzieła i autorów, jak Georg Büchner, Victor Hugo, José Zorrilla i wielu innych.

Jednak fundamenty nowoczesnego teatru, właściwie mówiąc, miały miejsce jeszcze w XIX wieku, wraz z powstaniem teatru realistycznego, triumfu racjonalizmu nad romantykami. Realizm podkreślał potrzebę teatru naturalistycznego: scenografii podobnych do prawdziwych, wiarygodnych przedstawień i odartych z wyniosłej dykcji czy gestów.

Zgodnie z oczekiwaniami realizm narodził się we Francji, kolebce Oświecenia.Jednak osiągnęło swój ekspresyjny szczyt w piórze nordyckich autorów, takich jak Szwed August Strindberg (1849-1912) i Norweg Henrik Ibsen (1828-1906), a nawet wybitny rosyjski pisarz opowiadań Anton Czechow (1860- 1904).

XX wiek i współczesność

We współczesnym teatrze rola reżysera teatralnego zyskała na znaczeniu.

Nadejście burzliwego XX wieku przyniosło ze sobą awangardy, nieustanne źródło innowacja formalnej i estetycznej, która dała początek wielu szkołom teatralnym w Europie i Ameryce.

Ogólnie rzecz biorąc, awangarda szukała w swoich postaciach większej intensywności i głębi psychologicznej, porzucając trzy klasyczne jednostki arystotelesowskie i często przyjmując donosy i bojowość polityczną. Ponadto dzięki nim rola reżysera teatralnego zyskała na znaczeniu nad aktorami; rola porównywalna do reżysera filmowego.

Awangardowe ruchy teatralne są zbyt liczne, by je w całości wymienić, ale warto zwrócić uwagę na ekspresjonizm, „teatr epicki” Bertoldta Brechta, teatr absurdu związany z filozofią egzystencjalizm oraz dzieła Antonina Artauda, ​​Eugène'a Ionesco i Samuela Becketta.

Ponadto nonkonformizm i antyburżuazyjny sentyment Wściekli młodzi mężczyźni: Harold Pinter, John Osbourne i Arnold Wesker. Inne wielkie nazwiska tamtych czasów to między innymi Luigi Pirandello, Alfred Jarry, Arthur Miller, Federico García Lorca, Ramón de Valle Inclán.

Od 1960 roku współczesny teatr próbuje na nowo połączyć się z emocjami widza, odchodząc od epickiego teatru i politycznych przekazów. Istnieje wiele aspektów teatralnych, które starają się oderwać od sceny i przenieść teatr na ulicę lub włączyć publiczność na scenę, a nawet uciekać się do wydarzenie lub improwizowany teatr sytuacyjny w prawdziwym życiu.